当代纺织艺术 — 观念性的载体

钟和晏

2021-08-31 14:14:49

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图片 艺术家加布里埃尔·道威


今年43岁的视觉艺术家塔尼娅•阿吉妮加(TanyaAguiñiga)现居洛杉矶,从小在墨西哥西北部城市蒂华纳长大。小时候,她每天都要穿越边界,经过圣伊西德罗过境点到加州圣地亚哥去上学,每天凌晨3点30半离家,8点钟准时到达学校,总共持续了十四年。在学校里,她不能和其他任何人谈论这件事情,一旦被公立学校知道她居住在学区之外,就会被开除。


这段漫长而痛苦的过境经历,深刻地影响了她成年后的创作。从2015年,她推出一项持续的艺术计划《对立两侧之间的艺术》(AMBOS),通过与一些往返过境的通勤者合作创建特定地点的装置,试图激活美国/墨西哥边境过境点这一独特的物理空间,把它们转化为大众参与的社区。


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AMBOS计划从《 边境结绳 》开始 ,结绳(Quipu)原本是古代印加人早已失传的一种结绳记事方法,使用打结的棉绳来计数与记录,也可能是一种更加复杂的书写形式。阿吉妮加走到那些等待过关的人面前,发给他们一张明信片,上面写着:“这两条线代表美国和墨西哥之间的关系,代表边界两侧的两个自我以及过境时的情绪状态。请打一个结。”明信片的另一面写着:“当你过境时,你在想什么?”


在圣伊西德罗过境点,每天有超过 30万名通勤者过境,等待时间可能需要一到三个小时。为期一个月的活动中,阿吉妮加用打一个结这样简单的行为,让那些排队中的过境者真正参与进来,最后聚集成一件大型装置,在边界墨西哥一侧一间租用的店面中有机地生长着。她还邀请参与者分享个人的想法,引发众多关于文化摩擦、跨国身份与等级结构的对话。


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塔尼娅·阿吉妮加的作品《Extraño》


去年11月,她在芝加哥Volum画廊举办了最新展览《Extraño》,数十件具有生物形态的纺织雕塑,用天然与合成纤维制作。曲线起伏的棉线中夹杂着一簇簇野生亚麻和合成头发,在保留材料的有机特征的同时,有几件作品使用了不那么传统的冰染工艺,也就是说,通过冰的溶解分配着染料,在纤维上形成斑驳的图案。它们以人的视线水平悬挂在墙壁和天花板上,像是荒诞的布偶,又像是来自另一个世界的生物。


制作这些雕塑,阿吉妮加的主要目的是为那些面向社区的非营利项目筹集资金。迄今为止,AMBOS 计划与一些涉及边境主题的艺术家及社区组织合作,已经在美国和墨西哥边境的13个过境点展开。


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纺织艺术作为一种基于丝与线的叙事载体,它的多样形式包括纤维艺术、挂毯、编织、刺绣、针织等,还时常渗透到时尚与设计领域。就像陶瓷艺术一样,它曾经长期徘徊于艺术与手工艺之间的模糊地带,直到 20 世纪初期才正式进入现代艺术的殿堂。1922年,纺织艺术先驱者安妮•阿尔伯斯 (AnniAlbers,1899-1994)开始在魏玛包豪斯学院尝试新的编织材料,把织布机变成创新的工具,把纺织品变成了一种抽象艺术。她认为,“除了表面的质量,如粗糙与光滑、暗淡与光泽、坚硬与柔软等,纺织品之中还包含了色彩以及编织构造的结果。像其他工艺一样,它可以产生实用的物品,也可以上升到艺术的高度。”


安妮•阿尔伯斯属于最早注意到纺织品具有超越“女红”潜力的艺术家之一,到了二十世纪六七十年代,随着妇女解放运动和女权主义艺术的兴起,这一媒介进一步摆脱了家庭空间的束缚,呈现出优先考虑美学价值、超越功能与实用工艺的生命力。


材料由天然或合成纤维组成的纤维艺术也应运而生,除了编织,纤维的构造方式有钩编、打结、缠绕、打褶、绑扎等,交错的纤维结构变成平面或立体、抽象或具象、叙事或幻想的作品。


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如今,定居柏林的日本艺术家盐田千春(ChiharuShiota )表述着与阿尔伯斯相似的观点:“一根丝线就像绘画中的一条线,线条逐渐累积形成一个面。我用那些线条在空中画画,创造出新的空间。即使展览结束后,它们还会长久地留在参观者的记忆中。”


植根于行为艺术,她的纺织装置既有表演性,又有绘画性,几乎都可以用“作茧自缚”这一个词来形容。经常是空间中拉满血红色、黑色或者白色的丝线,密密麻麻地纠缠交织着,一些钥匙、钢琴、椅子、床、行李箱等日常生活用品被丝线捆绑和串联,触动观众回忆、情感、希望甚至恐惧等各种思绪。目前,盐田千春的个展《颤动的灵魂》正在台北市立美术馆展出。


从沉浸式的特定地点装置到重新诠释历史代码的作品,当代纺织艺术作为一种观念性、政治性的工具,不断受到理想主义和实验精神的推动。在墨西哥艺术家加布里埃尔•道威(Gabriel Dawe)的手中,普通的涤纶绣花线呈现出一种新的维度,精心组织的纤细丝线被拉伸,构成几何形的、曲面的特定场地装置,接近激光投影的效果。


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这些幻觉般的彩虹阵列曾经出现在新泽西州的纽瓦克博物馆、史密森尼美国艺术博物馆伦威克画廊,或者意大利科莫市奥尔莫别墅(Villa Olmo)入口处的华丽中庭,似乎是无重力的,随时可以漂浮起来。这些具有视错觉效果的作品总是能让观众瞬间进入被迷住的状态,做出真实的反应,像孩子般感到惊奇和不可思议。


色彩与空间的使用是其中的重要组成部分,全光谱色彩被用来强化光的概念,丝线变成空间中被凝固的光线。装置周围的灯光设计同样重要,以及装置与特定建筑空间之间的关系。在奥尔莫别墅中,丝线以倾泻光线般的角度从上向下悬挂,像是绚丽的彩虹照进了室内,让18世纪新古典主义别墅原本昏暗的中庭,突然获得了新的活力。


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道威用《神经元》(Plexus)命名这一持续进行的项目,如他所解释的,代表了身体的神经或血管网络。由于深谙装置的几何原理,他没有借助算法或软件等辅助工具。但他在Adobe Illustrator上画草图,也有极少情况下,依靠 3D 软件来确定高密度丝线之间的间隙。当一件装置被拆除后,他会收集那些使用过的丝线,用于创作他称之为“文物”的作品。


创作《神经元》系列之前,道威是一位平面设计师,没有学习过纺织技术,也不会织布。他的纺织艺术是遵循创造直觉的产物,帮助颠覆人们关于性别和身份的狭隘观念。小时候,他记得祖母教他妹妹如何刺绣,但不会教他,因为他是个男孩,他因此感到非常沮丧。成年后他意识到,如果愿意,他也可以掌握这项技能,以自己微小的方式,摆脱男子气概和父权制等陈旧观念的束缚。


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建筑和服装都具有保护、遮蔽的功能,当他使用缝纫线这一服装的组成材料,用它们生成一个建筑尺度的结构时,尺度和材料之间的关系被颠倒了。所以,在他看来,这些装置与人对庇护所的需求以及人的脆弱性有关,新的结构不再满足身体的物质需求,而是变得像是灵魂的庇护所。


文章来源:《艺术与设计》

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